Характерной для керамических изделий стиля рококо стала техника

Что такое Рококо

Рококо — это стиль в дизайне интерьера, архитектуры, живописи, скульптуры, а также декоративного искусства. Зародился он в начале 18 века, в Париже, очень быстро распространился по всей Франции, а дальше и в других странах. Особенно этот стиль полюбили в Австрии и Германии.

Слово «рококо» произошло от французского слова rocaille, которое обозначало наскальное произведение искусства, выполненное ракушками. Они использовались для украшения искусственных гротов.

Главные характеристики стиля рококо

Рококо характеризуется лёгкостью, элегантностью, обильным использованием изгибов и естественных форм в орнаменте. Главная палитра стиля состояла из светлых тонов — золотой, белый, серебристо-голубоватый и пастельные оттенки голубого, зелёного, жёлтого, а также розового. Для фонов использовали пастельные тона: кремовые или белые, зелёные, розовые и т. д.

Рококо свойственно обилие динамичных асимметричных форм и деталей, орнамент в виде цветов, китайские мотивы и с каким-нибудь золотым элементом.

В декоративно-прикладном искусстве присутствовало причудливое изящество отделки и повторение неординарных тем китайского искусства.

В скульптуре и живописи характерны мифологические, эротические, а также пасторальные сюжеты.

Легкомыслие, игривость, эротичность и причудливые завитушки в архитектуре и литературе, живописи и скульптуре, интерьере и не только пленили сердца аристократии.

Рококо и барокко

Легкомысленность рококо заменила громоздкость барокко. Однако стиль рококо превратился одновременно и развитием барокко и его такой тогда необходимой эстетической противоположностью.

Рококо и барочный стиль оба любят завершённость форм. Но если барокко не может существовать без грандиозной торжественности, то рококо всё-таки ставит превыше всего изящность, грацию и невесомость.

Рококо свойственно множество белых деталей, светлые тона, равно как и розовые, голубые, зелёные. В то время как барочному декору присущи намного более тёмные оттенки, тяжёлая, роскошная, но и громоздкая позолота.

У рококо, главным образом, орнаментальная тенденция. Термин произошёл от сочетания «барокко» и «рокайль».

Рокайль

Это витиеватая декоративная отделка гротов и фонтанов камешками, кораллами и ракушками.

Рококо в архитектуре

Архитектор Нёйман в своём творении — церкви в Фирценхайлигене (1743–1772 гг.), сочетал объёмную структуру, помпезность барокко, которая блистательно гармонирует с типичным рококо, грациозным скульптурным внутренним интерьером. Таким образом, создаётся эффект лёгкости, но вместе с тем волшебной роскоши.

Архитектурные строения в стиле рококо, которые распространялись в других европейских странах, зачастую выглядели как местная разновидность позднего барокко и воздвигались они такими архитекторами как Георг фон Кнобельсдорф (фридерицианский рококо) или Иоганн Бальтазар Нейман (барокко и рококо).

Стиль рококо в интерьере

Живопись, конечно напрямую связана с интерьером. И рококо нашло своё развитие в декоративных и в станковых камерных формах. Художники расписывали пастушеские сцены (пасторальный жанр), жизнь аристократов и идеализированные портреты людей в образе мифологических героев.

Творчество их рождалось росписью плафонов и наддверных витражей (дессюдепорт). На стенах, на гобеленах (шпалеры) присутствовали преимущественно пейзажи, современные и мифологические светские темы. Образ человека терял самостоятельность и превращался в деталь украшения интерьера.

Вместе с процветанием живописи рококо укреплялась и значимость реалистического направления: достигли процветания натюрморт, пейзаж, портрет и бытовой жанр.

Художникам было характерно умение создавать свои произведения неотделимыми живописными пятнами. Общей грации они добивались использованием светлой палитры, отдавая своё предпочтение блёклым, золотистым тонам, серебристо-голубоватым, а также розовым.

Лепной или резной узор, замысловатая асимметрия, витиеватые завитки внутреннего убранства, составляли контраст со строением, которое внешне выглядело довольно серьёзно. Примером этому можно назвать небольшой дворец Малый Трианон, что находится в Версале, был построен архитектором по имени Анж-Жак Габриэль, по приказу Людовика XV для маркизы де Помпадур.

В Англии рококо вдохновил больше прикладные искусства. Например, инкрустацию мебели, изготовление и обработку серебряных изделий. Рококо оказало некоторое влияние на творчество мастеров, таких как художник Уильям Хогарт и живописец Томас Гейнсборо.

Рокайльному декоративно-прикладному искусству характерна своенравная изысканность отделки и подражание диковинным темам китайского искусства.

Рококо в искусстве

Cкульптуре, живописи и графике свойственны пасторальные, эротические и эротико-мифологические мотивы.

Рококо в живописи

Первый заметный художник и один из основоположников стиля рококо был живописец Антуан Ватто, который дал наиболее идеальное олицетворение основам этого стиля.

Ближайшие последователи Ватто, кто превратил его творческий почерк в утончённое повальное увлечение, стали художники Пьер-Антуан Кийар, Никола Ланкре и Жан-Батист Патер. После Антуана Ватто стиль развивался уже от кисти таких художников, как Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар, Джованни Пеллегрини, Никола Ланкре.

Живопись этого стиля имела в основном декоративную направленность, а также была полна тонкими переливами цвета и в тоже время была немного неяркой по колориту.

Искусство Буше диктовало правила огромному количеству художников, таких как братья ван Лоо, Шарль-Жозеф Натуар. Также оно оказало воздействие и на творчество Элизабет Виже-Лебрен и других мастеров. Это влияние длилось до самой Великой французской революции 1789 года.

Среди заметных мастеров рококо были самые разные художники, которые работали в самых разных жанрах живописи: Морис Кантен де Латур, Луи-Мишель ван Лоо, Жан-Марк Натье, Жан-Батист Перронно, Франсуа-Юбер Друэ и другие.

Последним значимым живописцем стиля рококо стал Жан-Оноре Фрагонар. Этот пейзажист, портретист и гравёр, также как и Антуан Ватто, не вписывался в рамки лишь «модного стиля».

Рококо в скульптуре

Во Франции скульптура в стиле рококо, по сравнению с живописью, не такая грандиозная и оригинальная. В искусстве рококо больше были распространены портретные бюсты, скульптурные группы или статуи купальщиц и амуров.

Самые знаменитые скульпторы рококо: Жан-Батист Лемуан, Этьен Морис Фальконе, Клод Мишель (Клодион).

Фальконе считается одним из самых ярких представителей этого стиля в скульптуре Франции. Однако его творчество состояло больше из статуй, рассчитанных для декорирования интерьеров и бюстов, среди которых были и статуи из терракоты.

В других европейских странах в создании скульптур рококо тоже первенствовали рассчитанные для декорирования интерьеров рельефы и статуи, небольшого размера статуэтки, в частности из терракоты и фарфора .

Например, немецкий скульптор, мастер мейсенской фарфоровой скульптуры Иоганн Иоахим Кендлер.

Стиль рококо в литературе

Уже в XIX веке слово «рококо» использовали как синоним чего-то отжившего и несовременного:

Александр Сергеевич Пушкин

Искусство будто отвергало всю серьёзность и самозабвенно бросалось к «безделушкам». Поэты стали украшать грациозными стихотворными узорами свои творения.

Супружеская любовь, такая громоздкая и принудительная, естественно, отталкивалась. Любовь превратилась в беззаботное развлечение, мимолётную прихоть.

Прекрасно показал нравственное настроение рококо поэт Эварист Дезире де Форж Парни:

Давайте жизнию играть,

Пусть чернь слепая суетится:

Не нам безумной подражать.”

Естественно, в то время рококо двигалось в сторону господствующего класса — дворянства.

Легкомысленные, игривые стихи, поэмы в эротической манере, картины Франсуа Буше и замысловатые архитектурные завитушки забавляли сердца современной аристократии. Однако их просветители отталкивали это искусство как что-то лишь развлекательное и даже порочное.

Французский писатель, философ-просветитель и драматург Дени Дидро в своей книге «Салоны» строго критиковал популярного тогда художника Франсуа Буше за его эротические творения («Туалет Венеры», «Купанье Дианы» и другие).

Пьер де Мариво, французский драматург и прозаик, был важен для того времени. Писатель стиля рококо (также чувствовались в его творчестве некие нотки просветительского классицизма, чувствительности и сентиментализма) показывает себя как тонкий психолог и жанровый экспериментатор.

В написании романа «Жизнь Марианны» Мариво пользуется приёмами мемуаров и романов-псевдомемуаров, которые были популярны в начале века. Его героиня обращается к своей подруге, и этим писатель создаёт тонкое и психологически достоверное повествование истории её жизни, от лица самой героини.

Появилась особая манера изложения, которая получила название «мариводаж», воспроизводит светскую устную болтовню, также замедляет движение сюжета, заостряя внимание читателя на различных оттенках психологии героев.

Тем самым существенно переосмысливаются «романические» клише, входящие в историю Марианны (нападение разбойников, ребёнок-найдёныш, «верный» любовник, «коварный» соблазнитель).

Искусство Мариво повлияло и на его современников (Сэмюэл Ричардсон, Лоренс Стерн, Пьер Шодерло де Лакло), и на писателей следующих поколений (Альфред де Мюссе, Александр Сергеевич Пушкин).

Мода в стиле рококо

В том же 18-м веке, когда на смену одежды в стиле помпезного барокко пришли не менее великолепные, но более спокойные наряды. В цветовой гамме нарядов присутствовало то же самое «спокойствие».

Стиль рококо в гардеробе — это обычно предметы сдержанных, пастельных тонов.

Одежда рококо лёгкая и элегантная. Это шикарный дворцовый стиль, женственность и элегантность, со своими особенностями:

Идеальная талия

Тонкая талия издавна была эталоном красоты, однако не каждая дама могла такой похвастаться. В таких случаях у женщин эпохи рококо был свой маленький трюк — корсет!

Ведь непрерывное использование корсета являлось причиной не только дискомфортных ощущений, но и сильно деформировало скелет.

Перчатки, веер и чулки

Веер был украшен по-разному: кружевом, бахромой или же рюшами, и считался факультативным атрибутом всего образа. А обязательными предметами наряда стиля рококо были перчатки, сшитые из светлого шёлка и чулки.

Цветы

Сначала шёлком вышивали искусственные цветы. Наравне с ними причёски и платья дам были декорированы настоящими цветами. Со временем дам начали украшать и ювелирные изделия в виде цветов или разные диадемы в виде букетов, созданных с применением драгоценных камней и металлов.

Платья и юбки

К пышным рококо платьям одевали ещё и не менее пышные юбки. Они, также как и платья, были декорированы всеми характерными для рококо элементами: цветами, рюшами, бантами и лентами. А обручи в платье пришли во второй половине 18-го века. С ними юбка начала принимать овальную форму вместо привычной круглой.

Искажение фигуры

Для рококо характерно некоторое искажение естественности фигуры. Это видно по затянутой в корсет тонкой талии, субтильным плечам, круглому лицу и резкому переходу от тонкой талии к широким бёдрам (от пышной юбки).

Цвета

Основные цвета гардероба рококо были бледных тонов: светло-жёлтый, нежно-розовый или бледно-голубой.

Асимметрия

Асимметрия была типична для мужчин и женщин и присутствовала в предметах гардероба, в причёсках или аксессуарах.

Нижнее бельё

Нижнее бельё той эпохи делалось очень роскошным. Платье того времени позволяло белью «виднеться» из-под одеяния, из-за этого вышито оно было роскошно: золото и серебро, шёлк, кружева. А лиф был вытянутой треугольной формы.

Рукава

Сам рукав отличался сужением в локте, их также щедро украшали лентами и кружевом.

Рококо в России

Рококо в России стало входить в моду, главным образом, в эпоху правления императрицы Елизаветы Петровны (1741–1761 гг.). Европейское воспитание императрицы способствовало внедрению в России французского влияния. Уже потом, во время царствования Екатерины Великой, мода на рококо получила своё развитие.
Когда Елизавета Петровна пришла к власти, в середине 18 века, началось строительство в Петербурге, Петергофе и Царском Селе, под руководством графа Бартоломео Франческо Растрелли (русский архитектор итальянского происхождения).
В Рос­сии направление рококо про­являлось главным образом в отделке интерьеров дворцов. Самые знаменитые архитекторы были граф Бартоломео Франческо Растрелли, Дмитрий Васильевич Ухтомский и Савва Иванович Чевакинский.
Также рококо было заметно в лепном де­ко­ре строений и в декоративно-при­клад­ном искусстве (например, резьба по дереву, мебель, серебряные, фарфоровые и ювелирные изделия).

Главные архитектурные стили

Названия и даты появления особо выделяющихся архитектурных стилей:

• архитектура Древнего мира (от первобытного общества до X века);
• романская архитектура (X – XII века);
• готика (XII – XV века);
• возрождение (начало XV – начало XVII века);
• барокко (конец XVI – конец XVIII века);
• рококо (начало XVIII – конец XVIII века);
• классицизм (середина XVIII – XIX век);
• историзм (1830-е – 1890-е годы);
• модерн (1890-е – 1910-е годы);
• модернизм (начало 1900-х – 1980-е годы);
• конструктивизм (1920-е – начало 1930-х годов);
• постмодернизм (с середины XX века);
• хай-тек (с конца 1970-х годов);
• деконструктивизм (с конца 1980-х годов);
• дигитальная архитектура (с начала XXI века).

Источник

Керамика эпохи барокко и рококо

Описание:
Барокко
Нормандская керамика
Неверская керамика
Руанская керамика
Керамика Мустье
Работы Томаса Тофта
Дельфтская керамика
Китайская ваза Минского периода

Рококо
Мейсенский фарфор
Страсбургский фаянс

Реклама от Google

Доступные действия

Найти все файлы пользователя

Прокомментировать файл

Керамика эпохи барокко и рококо

Во французской керамике, достигшей полного расцвета в XVIII в., уже в XVII в. создаются выдающиеся произведе­ния. Продолжается изготовление гла­зурованных изделий в средневековом духе, таких, как глиняная статуэтка флейтиста из района Бове (Музей ке­рамики в Севре) и норманд­ская керамика из Кальвадоса. Наряду с этим производится фаянс с обжигом при высоких температурах; в этом слу­чае изделия расписываются окислами металлов поверх сырой эмали, которая поглощает краску до обжига, что ис­ключает возможность поправок. В то же время производится фаянс с обжи­гом при низких температурах, с рос­писью по предварительно обожженной глазури; эта технология позволяет по­лучать более тонкий рисунок и вносить поправки, а также применять большее число тонов. Третий обжиг, закрепля­ющий роспись, осуществляется при еще более слабом огне в особой му­фельной или отражательной печи.

Технология первого типа применяет­ся на мануфактурах Невера, Руана, Мустье. Керамическое производство Невера вначале следовало итальян­ской традиции, занесенной семейством мастеров Конрад, переселившихся в Невер в конце XVI в. Не отказываясь от итальянской манеры, неверские ке­рамисты в большей или меньшей сте­пени подражают Востоку и создают изделия в «персидском вкусе». Во вто­рой половине XVII в. складывается самостоятельный неверский стиль. К этому периоду относятся такие стату­этки, как Мадонна с яблоком, датиро­ванная I636 г. Верность ренессансному духу керамика Невера сохраняет до начала XVII в.

Руанские керамисты проявляют больше самобытности. После периода подражания итальянской и неверской продукции и копирования вслед за Дельфтом китайских изделий, вызывавших всеобщее восхищение, руанцы начинают изготовлять большие блюда с гербами, сюжетной композицией в центре и широким бордюром по внут­реннему краю. Сохранились фаянсовые изделия, подписанные Эдмом Потером (1647г.) и Брюманом (1699 г.). Но насто­ящий расцвет руанского фаянса прихо­дится на XVlll .

В Мустье с 1710 г. начинают производить фаянсовые из­делия с декором по моделям Берена и других художников-декораторов, раз­рабатывавших стиль Людовика XIV. Этот вид узора на белом фоне, разме­щенного свободно, с большими неза­полненными участками, сохранял попу­лярность много лет спустя после смер­ти короля в 1715 г. в силу отдаленности Версаля и обычного отставания про­винции от смены мод при дворе.

Технология второго типа получила значительное развитие во Франции только в XVIII в., между тем как в Нюрнберге и Аугсбурге ее широко при­меняют с 1650 г. при изготовлении белого фаянса. Германия освоила про­изводство больших фаянсовых печей, таких, например, как печь работы Андреаса Лейбольда, покрытая черной глазурью и датированная 1662 г. (Гам­бург, Музей). Печам этого типа была суждена долгая популяр­ность.

В Англии керамисты Стаффордшира, и в частности Томас Тофт, изготовля­ют поливную керамику в сочном народ­ном стиле. Там же производят и тон­кий фаянс, так называемую «трубоч­ную глину».

Работы Томаса Тофта

Однако гораздо большую славу заво­евывает фаянсовая продукция Дельфта.

Дельфтские изделия обжигались при высоких температурах и вначале расписывались гризайлью синим ко­бальтом, отличаясь перегруженным де­кором. Нидерландские керамисты, на­ходясь под итальянским влиянием, ко­пировали произведения живописи или имитировали картину вместо того, что­бы создавать декор, присущий керами­ке. Другие нидерландские мануфакту­ры копировали китайский и японский фарфор.

Фаянсовые изразцы еще в большей степени, чем посуда, подражают живо­писи. Крупные мастера Абрагам де Ког и Фредерик ван Фритом создают израз­цы в синих тонах и копируют в них живопись своих современников, изоб­ражая различные сцены, морские пей­зажи и жанровые картинки, столь типичные для голландского искусства, начало XVII в. Они копируют и религиозные сюжеты и в особенности портреты с гравюр; блю­да с портретными изображениями снис­кали большой успех.

В дальнейшем усиливается влияние искусства стран Азии. Могущественная Ост-индская голландская компания ввозит изделия из Китая Минского периода и из Японии. В XVII в. гол­ландские купцы были единственными европейцами, получившими право ве­сти торговлю с империей Восходящего Солнца. В Европе развивается вкус к экзотике, и импорт не покрывает спро­са. Это и побудило голландцев имити­ровать в фаянсе китайский и японский фарфор.

Китайская ваза Минского периода

Появляются изделия в синих тонах с узором из цветов и птиц, подражающие китайским. Такой орнамент украшает не только вазы и тарелки, но и специ­фически голландское изделие—вазы для тюльпанов. Другой, смешанный вид технологии применяет наряду «с синим цветом, достигаемым сильным обжи­гом, марганцевый фиолетовый цвет, зеленый и красный, получаемые в му­фельной печи. Судя по всему, первые имитации азиатских изделий по методу слабого обжига были осуществлены на фабрике Хоппенстейна в 1660—1690 гг.

Полихромный фаянс сильного обжи­га, объединяющий на белом фоне крас­ный, синий, зеленый, желтый и черный тона, применяется при имитации пятицветных «у-цай» эпохи императора Вань-ли. Изготовляются также рифленые вазы с «кашмирским» орнаментом, в котором ощущается подражание узорам индийских тканей. Керамисты копируют в фаянсе даже китайские лаковые изделия, а в самом начале XVIII в. имитируют сцены с фигурами, украша­ющие японские ткани какэмоно.

Все эти подражания превосходны по качеству. Благодаря хорошему знаком­ству с произведениями искусства Азии дельфтские мастера глубже, чем ма­стера других европейских стран, осво­или современное им декоративное ис­кусство Китая и Японии и сыграли решающую роль в усилении экзотиче­ской струи в искусстве Европы.

Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественно-промышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства.

В 1708 году алхимик Иоганн Фридрих Бётгер открыл секрет изготовления фарфора. И нашел подходящую для этого глину. В Мейсене была открыта первая фабрика, где первым мастером был Иоганн Готтлиб Кирхнер. Фарфор получает популярность, появляются и другие центры его производства. Наиболее знаменитой была мануфактура в Севре, где работал Этьен Морис Фальконе.

Рококо в европейском искусстве является одним из наиболее распространенных стилей. В этом стиле уникальным образом соединились пресыщенность, гедонизм, тяготение к экзотике, фривольность и пренебрежительное отношение ко всему разумному, естественному. Эпоха рококо требовала новых находок. Их открытие приводило к появлению оригинальных художественных эффектов, в которых соединились лепка, живопись, мелкая пластика. Эпоха рококо стала временем расцвета художественной керамики.

В восемнадцатом столетии особой популярностью стала пользоваться фаянсовая посуда, которая была гигиеничной, удобной в использовании и дешевой, поэтому такой антиквариат очень скоро завоевал всемирную известность. В это время начали открываться старинные керамические центры, такие как Невер и Руан. В ходе формирования стиля рококо в середине восемнадцатого столетия руанские мастера, работавшие с фаянсом, стали часто использовать изображения цветов, рога изобилия, птиц, а также насекомых.

Подобными орнаментами украшалась старинная посуда. Практически все руанские изделия того времени изготавливались из пористой массы розовато-кремового или красноватого оттенка. Ранние изделия, как правило, были анонимными, однако в восемнадцатом столетии почти на всех образцах появились маркировки. Старинные фаянсовые изделия с изображениями бабочек, птиц и рога изобилия можно встретить во многих музеях Европы. В Руане изготавливались самые разнообразные фаянсовые изделия, в числе которых были целые фонтанные композиции.

В середине восемнадцатого столетия Марсель также превратился в крупный керамический центр. На территории этого портового города работало десять мастерских. Настоящая слава к марсельским мастерам пришла после открытия здесь техники муфельного обжига изделий. Художники создавали изображения на белой глине, закрепленной обжигом. Благодаря этому палитра росписей стала более разнообразной.

Особой популярностью среди коллекционеров пользовались фаянсовые изделия, выполненные на мануфактуре, открытой Пьереттой Клаудело. Старинные предметы, созданные этим предприятием, отличались разнообразными формами и оригинальными росписями, характерными для эпохи рококо. Талантливые художники с невероятной изящностью изображали цветочные букеты, насекомых и птиц. На фабрике производилось большое количество тарелок, расписывавшихся китайскими сюжетами.

В восточной части Франции центром керамики был Страсбург. Слава к этому району пришла благодаря деятельности трех поколений семьи Ганнонгов, работавших здесь в период с 1709-го по 1780-й год. Характерными чертами фаянсовых изделий Ганнонгов стало использование тонких рисунков, нежных цветов росписи, а также живописной манеры исполнения. Стиль, созданный этими мастерами, получил название «страсбургские цветы». Со временем такая техника стала использоваться керамическими мануфактурами всех городов Франции. Страсбургский фаянс входит в экспозиции музеев мирового уровня и высоко ценится на современном антикварном рынке.

Источник