7 основных тенденций графического дизайна в Японии как пример для следования
Графический дизайн – это устоявшаяся концепция, но со многими уровнями индивидуальности. Смена тенденций в графическом дизайне происходит постоянно, при этом многие их них могут устареть на определенный период, а потом возвращаются в новом и лучшем представлении. Все эти перемены обуславливаются сменою поколением и влиянием технологического прогресса, что и определяет новые тенденции графического дизайна.
Когда вы были в поисках новых источников для вдохновения, задумывались ли вы о японском дизайне? А ведь японцы известны во всем мире благодаря передовым технологиям не только в техническом и инновационном направлении, но и в создании уникального дизайна.
Тенденции графического дизайна в Японии действительно незаурядны, они минимальные, яркие и экспериментальные. Их особенность заключается в том, что им можно следовать и другим странам, так как они не отражают японскую культуру полностью.
В этой статье мы представим 7 главных тенденций графического дизайна в Японии и причины их популярности.
Индивидуальная типографика
Японские дизайнеры предпочитают использовать в своих работах индивидуальную типографику, что обуславливается особенностью японского языка. Японская система символов довольно сложная, поэтому дизайнером проще нарисовать символы для нескольких слов, нежели создавать новые шрифты. Это отображает уникальность и нестандартность готового дизайнерского решения.
Использование индивидуальной типографики поможет дизайнерам представить графический продукт новым и оригинальным. Можно смело использовать нестандартные надписи, главное чтобы клиент получил и уловил смысл переданного ему сообщения. При этом инидвидуальная типографика всегда добавляет изысканности и оригинальности многим дизайнерским решениям.
Яркие и насыщенные цвета
Кто немного ознакомлен с японской культурою или посещал Японию, не может не отметить любовь японцев к ярким и насыщенным цветам. Токио, Сибуя, Харадзюку – эти все города полны жизни и ярких красок. Японцы надают предпочтение широкому спектру цветов. Разнообразную палитру они используют при проектировании, о чем свидетельствуют их здания и многие произведения искусства.
Создается впечатление, что японцы не боятся цветовых комбинаций, и как будто не задумываются о том, как цвета будут сочетаться. Но в итоге, эти нестандартные комбинации выдают яркий, современный и экспрессивный дизайн.
В процессе работы над новым дизайном стоит попробовать смешать разные цвета и посмотреть результат. Дизайнерские работы японцев доказывают, что эксперименты всегда важны и их нужно применять на практике.
«Милашный дизайн»
Такой дизайн, наиболее типичный для японцев и ассоциируется с их культурою. При этом он используется не только для детей, но и для телекоммуникационной сферы, рынка услуг и товаров. Такая «милашная культура» уже давно укоренилась в японской культуре и стала неотъемлемой частью жизни японцев.
Например, если вы посмотрите на товар, иллюстрацию или услугу какого-то бренда, то первое впечатление о нем показывает наполненность добротой, состраданием и доступностью. Поэтому, игривость и «милашность» в некоторых случаях помогут вам отыграть нужно роль в продвижении того или иного продукта.
Минимализм
Минимализм сейчас является распространенным явлением в разных сферах, особенно в дизайне. Минималистическая культура берет свои истоки в Японии, это уже немного позже она распространилась на Запад. Принцип работы минимализма «чем меньше, тем лучше». Это позволяет убрать ненужные и лишние элементы и упростить формы для получения более прагматичного дизайна.
Например, компании Google Search и Apple следуют эстетике японского дизайна. Они используют минимум функций и блоков на своих сайтах, что позволяет удержать внимание пользователей и выделить свой бренд.
Минимализм можно назвать классикою, он будет в тренде еще не один год. Минимализм – это вне времени, это классика, он никогда не устареет, а все благодаря японцам.
Главными элементами в минималистическом дизайне есть простые линии, наличие пустого или отрицательного пространства, ограниченная палитра, несколько текстовых блоков, пользовательская типографика и основные фигуры.
Использование разных языков
Японцы гордятся своей культурою и языком, однако много дизайнеров смешивают разные языки в своей работе. Чаще всего сочетают японские и римские символы, и это придает дизайнерским работам эффективности и эстетичности. На практике можно увидеть, что много иллюстраций состоит из японских символов и английского текста. В данном случае, важно учитывать контекст и акцент, который вы хотите отобразить в работе.
Сложные градиенты
Выше уже было сказано, что японцы любят использовать яркие и насыщенные цвета. Они тонко понимают символику каждого цвета и знают как правильно использовать его на практике. Современные японские работы по искусству имеют сложные выстроенные градиенты. При этом каждый цвет и оттенок идеально сочетается друг с другом и вместе создают удивительный микс красок.
Создание сложных градиентов требует умений и практики, но такой поход позволит дизайнеру оживить фон и придать индивидуальности вашему дизайну.
Каллиграфия кистью
Японцы очень ценят свою культуру и традиции. Не смотря на развитие технологий, они так же большое внимание уделяют сохранению древних обычаев. Например, каллиграфия («шоду» на японском языке) является важною частью японскою культуры, где детей обучают уже с первого класса.
В японском графическом дизайне каллиграфия часто применяется и довольно популярна. В графических работах, иллюстрациях можно увидеть мазки кистью, чаще всего грубые, грязные и полосатые – это все основы искусства Сёду. Использование каллиграфии в дизайне и для других языков будет выглядеть интересно и творчески.
Разумеется, все эти пункты не охватывают все особенности и культуру японского дизайна. Во множество дизайнерских работ в японском стиле наблюдается мастерство, гармоничность, лаконичности и индивидуальны стиль. Полагаем, что и для каждого графического дизайнера, есть что взять для вдохновения из японского дизайна, и на основе этого развиваться и создавать уникальный дизайн.
Источник
Компью А рт
Японский графический дизайн в глазах западного человека выглядит совершенно иным, нежели привычные ему образы. Работы японских дизайнеров поражают своей странной, ни на что не похожей, удивительной эстетикой. Одни дизайнеры создают свои произведения, основываясь на многовековой истории и культуре Страны восходящего солнца, а другие, наоборот, полностью от нее абстрагируются и работают исключительно с современными образами. Но как бы то ни было, работы получаются необычные и вызывают восхищение.
Икко Танака
Дизайнера Икко Танака принято считать отцом современного японского графического дизайна. Он одним из первых начал создавать работы, которые находили отклик и завоевывали признание как в Японии, так и во всем мире. Танака родился в г. Нара в 1930 году и окончил школу искусств в Киото в 1950-м. В этих двух городах, обладающих многовековой историей, он проникся эстетикой традиционного японского искусства, которая видна во всем его творчестве.
Его работы не обманывают ожиданий западного зрителя: в них есть и исторические художественные ссылки на ксилогравюры эпохи Эдо, и классическая каллиграфия, но в то же время они полностью соответствуют принятым мировым стандартам графического дизайна. Более того, работы этого дизайнера настолько хорошо вписываются и в японскую, и в западную культуру, что иногда создается впечатление, что они созданы западным дизайнером, который просто использовал японскую стилистику и присущие ей цветовые сочетания.
Танака всегда знал свое дело, и в те времена, когда большинство японских графических дизайнеров старались избегать использования национальной стилистики, он создавал гармоничный синтез современного дизайна и древнего япон-ского искусства. В чем-то его работы напоминают японские сады камней: каждый элемент находится на строго определенном для него месте, а его взаимоотношения с прочими графическими элементам композиции тщательно рассчитаны и часто имеют некий особый смысл. Танака удивительно тонко чувствовал цвет, пропорции, текстуры и рабочее пространство, а следуя японским художественным традициям, он всегда отдавал предпочтение ярким, насыщенным цветам. Также для его стиля весьма характерны подчеркнуто плоские формы и фигуры. Дизайнер очень много, интересно и с большим мастерством работал с типографикой, к тому же, в отличие от прочих японских дизайнеров, он не испытывал никаких трудностей при работе с латинским алфавитом и всегда удачно соединял во-едино изобразительные и текстовые элементы. Он всегда работал в ключе четкой передачи контента своих работ, следуя мировым принципам классической типографики.
За все время своей дизайнерской карьеры (а она продолжалась без малого 45 лет) Танака ни разу не отклонился от изначально выбранного курса, не изменил своему стилю (хотя многие его коллеги подверглись влиянию постмодернизма и деконструктивизма) и всегда настаивал на своей творческой независимости от каких бы то ни было веяний моды.
Карьеру графического дизайнера Танака начал в 1952 году, а спустя пять лет перебрался в Токио. Его очень привлекала тема театральных афиш и постеров, и он занимался этим жанром начиная с 1961 года. Для театра Kanze Noh в Осаке он создавал ежегодные постеры на протяжении более чем 30 лет. Эти постеры, как и многие другие работы дизайнера, отражали и классические японские, и современные западные образы. В 1973 году Танака стал работать для театра Seibu в Токио, причем он создавал афиши к произведениям самого разного рода — начиная от чеховского «Вишневого сада» и заканчивая современной японской пьесой «Equus». А с 1996 года театр New National Theatre в Токио также стал заказывать дизайнеру афиши, и за семь лет Танака создал для этого театра 38 работ.
Конечно же, театральными постерами деятельность дизайнера не ограничивалась. В 1963 году Танака основал свою дизайн-студию — Ikko Tanaka Design Studio, где занимался всеми направлениями графического дизайна, которые его интересовали. д изайнер очень любил работать над оформлением книг. На его счету немало проектов, выполненных по заказу крупнейших универмагов и шопинг-центров. Танака также тесно сотрудничал с многими япон-скими домами моды и дизайнерами. В их числе такие известные имена, как Hanae Mori, Kenzo Takada и Issei Miyake.
За свою долгую и плодотворную карьеру Танака был удостоен множества наград. Работы дизайнера представлены в постоянной экспозиции Музея современного искусства в Нью-Йорке (Museum of Modern Art). А в 1994 году Танака удостоился за свои труды престижнейшей награды: он был принят в «Зал Славы» (Hall of Fame) Нью-Йоркского клуба арт-директоров. Великого дизайнера не стало 10 января 2002 года.
Танадори Йоку
Дизайнера Танадори Йоку в Японии знают все. Творчество этого гения стиля pop-art уже более 40 лет находится на пике по-пулярности, и интерес к нему, похоже, иссякнет не скоро. Его яркие, многозначные, полные необычного юмора и интриги работы не теряют актуальности с 1960-х годов. Именно в этот период Йоку совершил настоящий прорыв в графическом дизайне Японии, решительно отойдя от бытовавшего в те времена модернистского стиля. И если Икко Танака прославился своими работами, основанными на мотивах японской жизни и искусства, то Йоку всегда предпочитал западную символику. Однако полностью отойти от влияния японской культуры ему так и не удалось (что, возможно, и к лучшему): все произведения дизайнера поражают тем, что изображения привычных на первый взгляд объектов, собранные воедино, придают работам совершенно новый контекст и смысл.
Визитная карточка Йоку — постеры, сохданию которых он уделял больше всего внимания. Отличительными чертами постеров Йоку всегда были красочные цвета, смелые элементы фотомонтажа и различные персонажи японской и западной культуры. На очень многих постерах неизменно присут-ствовало стилизованное изображение восходящего солнца, которое дизайнер использовал в качестве фона.
Началом пути Йоку в мир искусства и графического дизайна стала его работа, названная автором в честь себя самого: Tanadori Yokoo. Выполненное на шелковом панно, это произведение сочетало в себе множество разнородных графических элементов: черно-белые фотографии самого дизайнера, текст на английском и изображение повешенного на фоне восходящего солнца.
Йоку проявил себя во всех возможных направлениях и жанрах графического дизайна. Он создавал обложки для пластинок известных рок-исполнителей (таких как «Битлз» и Карлос Сантана), обложки для известнейших журналов и многое другое. Он даже разработал дизайн пояса для борьбы Сумо. Дизайнер создал и множество трехмерных работ, в числе которых — серия скульптур стилизованных кошачьих фигурок, керамика и разнообразные инсталляции. А совсем недавно у Йоку появилась идея создать коллекцию различных предметов домашнего обихода и аксессуаров.
Хотя многие считают Йоку королем современного японского стиля pop-art, его работы можно отнести к жанру современного экспрессионизма. Все они таят в себе частицу души дизайнера, а его характер просматривается в любом дизайнерском исполнении, будь то постер или обложка для пластинки. и это не удивительно: рожденный в провинции, Йоку был с детства погружен в мир возвышенного и духовного. «Я вырос в атмосфере, где природа и религия были единым целым, — говорил Йоку, — и поэтому все, что бы я ни делал, помимо моей воли превращалось в нечто исполненное духовности». Одно из наиболее наглядных подтверждений этим словам — серия постеров под названием «Боги удачи», изображающих японских богов. К тому же Йоку в своих работах часто использовал ссылки на религии других народов: у него есть очень известная серия, связанная с миром духовным, — изображения ангелов. Увлечение образом восходящего солнца, стилизованное изображение которого украшает многие работы дизайнера, также уходит своими корнями в детство. Его родители владели магазином, торговавшим кимоно и тканями, а треугольники (которые впоследствии стали лучами солнца в интерпретации Йоку) были частью фирменного знака магазина.
Родился дизайнер в 1936 году, а уже в 14 лет начал постигать искусство каллиграфии, поступив в национальную школу каллиграфии, где участвовал и побеждал в соревнованиях по этому искусству. В 1952 году Йоку поступил в высшую школу Nishiwaki в Хього. Будучи студентом, он мечтал стать художником стиля «манга». И хотя сначала Йоку обучался живописи, вскоре он стал выходить за рамки этого жанра, постепенно все больше внимания уделяя графическому дизайну.
Сам Йоку считает, что его работы говорят сами за себя. В многочисленных интервью он любит повторять: «В Японии к тебе приходит признание и успех, только если кто-то важный и значимый заметит твою работу и похвалит ее. Вне Японии люди реагируют непосредственно на саму работу. Если она им нравится, они говорят об этом прямо». Йоку повезло: его работы ценятся одинаково высоко как в его родной стране, так и во всем мире. Несмотря на то что работы Йоку имеют во многом коммерческую направленность, многие из них можно встретить в постоянных коллекциях более восьмидесяти престижнейших музеев по всему миру, в частности в Нью-Йорке и Токио.
Источник